Casa de Borinquen

The Beatles: Get Back 50年ぶりに蘇る鮮明な7時間47分のドキュメント 若く美しい４人の苦悩と解放

■Get Back Part 1 69.1.2-1.12 2:36

1〜7日トゥイッケナム・スタジオ、ジョージが一時的に退団するところまで。4人とも若くて美しいのが印象的で、それぞれが曲に対するアプローチが違うのが興味深かった。1週間では曲の完成度は低いが、『Let It Be』以降に収録される曲のアプローチが興味深かった。「Let It Be」を演奏中、ヨーコとリンダが仲良く話し合っているのが意外だった。ファンとしてはグリン・ジョンズのかっこよさや曲へのアプローチする姿が見られてうれしかった。

はじめは映画館で公開しなくてガッカリ...と思っていたが、1ヶ月のスタジオの工程を追いかけていくには配信が適していると納得。クライマックスの42分の全編が収録されたルーフトップ・コンサートが収録された3話目が楽しみだが、2話でジョージがビリー・プレストンを連れて戻ってくるところも楽しみ（ビリー・プレストンについては1話でジョージから言及があったのは新発見）。

Disney+にて独占配信されるので、やむを得ず加入。iPad Proで観るつもりが、TVでアプリをDLしたらOKだったのでTVで観ることができた。画像や音は鮮明、DLも出来たのでiPad Proでも後で観ることが可能。iOSではアプリ上だが、TVの場合は字幕や音声はリモコンで切り替えることに気がつくまで試行錯誤。他には『folkore』を録音しているテイラー・スウィフトのドキュメントがあったので、iPhoneにDLして今日の移動中に観るつもり。（2021.11.26 5:04 Facebook投稿）

■Get Back Part 2 69.1.13-1.25 2:53

ジョンとポールの密談を植木鉢に仕込んだマイクで盗聴。お互いの思いとジョージへの対応が生々しい反面、ジョージの立場を考えたらいささかやりすぎ感もあるのが正直な話。結果、ジョージは戻ってくるが、その条件についてははっきりと映像化されていないのが残念。この辺はスタジオ内でのポールとの確執も含め、オリビアがプロデューサーをしているので、やんわり目の表現に着地していたのだろうと想像。

・トゥイッケナム・スタジオでの撮影中止
・ライブショーの延期
・観客なし、予告なしのライブ
・アップルビルの新スタジオで制作を継続

事の経緯を押さえていないと分かりにくい編集になったかと思う。相変わらず集中力にかけるスタジオの姿で少し退屈な映像が続く。はっきり言って、ジョンのジョークやおちゃらけは個人的にはつまらない。ところが、ハンブルグ時代以来旧知の仲のビリー・プレストンが参加した瞬間に（1/22〜1/30）サウンドに締まりとうるおいが現れてくるから驚きだ。全員の笑顔とグルーブに引き込まれる、こののシーンが（I've Got A Feeling〜Don't Let Me Down）Part2のハイライトだと思う。

グリン・ジョンズがジョージ・マーチンに助けを求めるシーン、嘘っぱちな新聞、ヨーコが毎日グラフを読んでいる、一瞬だけ映るパティのかわいらしさ、スタジオの外でいつも待っている二人は「Across The Universe」のコーラスに参加しているのだろうか。ルーフトップをフルで収録したPart3に期待。（2021.11.27 15:57 Facebook投稿）

■Get Back Part 3 69.1.26-1.31 2:18

あと3日後に設定（天候により1.30に延期）されたルーフトップ・コンサート。スタジオでは仕上がりをどうするか、どの曲をどうするか緊迫したやり取りが続く。そして、最後のライブ。

Get Back※
Get Back
I Want You
Don't Let e Down*
I've Got A Feeling※*
Dig A Pony
One After 909※*
Dig A Pony※*
Got Save The Queen
I've Got A Feeling
Get Back〜Don't Let e Down
Get Back※
※:1970映画
*:シングル、LP、2021Super Deluxe

本番になると本領発揮したライブができるなんて流石だ。シングルやアルバム収録はいいところを繋げているみたいだけど、ライブ映像は無編集。"I'd like to say thank you on behalf of the group and ourselves, and I hope we passed the audition."というジョンのジョークはデビュー前に様々なオーディションを受けた事を思い起こしてしまう。そして、興味深かったのがライブシーンに分割やインサートされる当時のロンドンの様子。特に、若い女性のファッションに注目したい。

Part 1〜3でトータル7時間47分のドキュメント。TVで観た後にベッドのの中でiPad Proでもう一度観ていた。1970年の公開時はもちろん観てたが、こうしてドキュメントとして蘇ったことに感謝したい。散漫な演奏が次第に（追い詰められて）完成度が高くなるプロセス、ジョージの一時脱退、スタジオの空気を一変させたビリー・プレストンの存在、美しいリンダと可愛らしいヨーコ、パティ＆モーリン。

個人的には、やはりジョージの姿。ロジャー・ロスマイシルとフィリップ・キュービックという職人が作った全てローズウッドで作られたテレキャス、意外にもレスポール（確かクラプトンからのプレゼント）、ペイントされたストラトも登場して惹きつけられた。Part 3でジョンとの会話（盗み取り風）で、＜曲がアルバムを作るほどにありソロアルバムを作りたい＞と告白している。このドキュメンタリーでも「Something」「All Thing Must Pass」「Old Brown Shoe」が取り上げられてファンとしてもうれしいシーン。

フィル・スペクターの功績
オリジナルアルバム『Let It Be』、『Let It Be... Naked』も含めて他のアルバムよりも長い間熱心に聴き込んでいなかったのが『Let It Be』だった。それは、フィル・スペクターのオーバープロデュースをポールが認めていなかったせいもあった。ところが、60年代以外のジョージ関連でのフィル・スペクターの仕事ぶりの素晴らしさを認識できた今では、多くの断片的なセッションをアルバムにまとめ上げた功績こそ最大に評価されるべきではないかと考えている。

それは。今年リリースされた『Let It Be Special Edition / Super Deluxe』を丹念に聴けば一目瞭然だと思うし、5枚組中4枚目の「グリン・ジョンズ・リミックス」（69年5月バージョン）と比較しても同じことが言えると思う。今年、コロナ合併症で刑務所から搬送された病院で1/16で亡くなったフィル・スペクターが聴いたら、ジョージの『All Thing Must Pass』BOXと共に、どう感じただろうか...。

Desney+
映画公開が独占配信に変わってどんなものか最後の最後まで迷っていたのがDesney+への加入。ディズニーもマーベルも全く興味がないのでこのDLしたこのドキュメントを何度か観終わったら解約の予定。気になるのはいち早く『サマー・オブ・ソウル』がUPされている点で、今後音楽関連に力をいれていくのかどうか気になっている。

チカーノ・ソウル（ルーベン・モリーナ著/宮田信訳）ロイヤル・ジェスターズをきっかけに知ったサンアントニオの事をこれほどまでに詳しく紹介してくれた豪華本に感謝

チカーノ・ソウルへの誤解
チカーノ・ソウルってラテン・ロックでチャカポコしたサウンドばかりだろうと長い間誤解していた。偶然知ったロイヤル・ジェスターズのコンピレーション（2015）を聴いて、あれれちょっと違うなと感じを受け、好きでわりと聴きこんでいた50〜60年代のソウルにも似たコーラスグループやドゥーワップからスモーキー・ロビンソンにも似たスイートなソウル感覚にすっかり痺れてしまったのが昨年の秋頃。カバージャケットのパーティー、インナーのキュートな姿にもぞっこん一目惚れだった。

ライナーを読んでみると、1958年に結成され、テハーノ向けに英語歌詞でシングルをリリース。基本メンバーはマイク・ペドラーサ、オスカー・ローソン、ヘンリー・エルナンデス、ルイス・エスカランテでディマ・ガルサ（デマスⅢ）とジョー・ジャマも参加していた。モンゴ・サンタマリア、ウィリー・ボボのカバー、モータウン風、シカゴ風の曲（㉒㉓㉔結構気に入っている）...と60年代〜70年代前半までのサウンドの遍歴も楽しい。他にないかどうかと『CHICANO SOUL San Antonio's Westside Sound』シリーズ1〜3（2004）も探して、内ジャケのシングル盤レーベルを見ながらあれこれ想像していた。

チカーノ・ソウル（ルーベン・モリーナ著/宮田信訳）
サブタイトルに「アメリカ文化に秘められたもうひとつの音楽史」とある『チカーノ・ソウル』のリリースを知ったの宮田信さんFaceBook。自由が丘代官山の記念イベントには行けなかったが無事に入手。思えば、『CHICANO SOUL San Antonio's Westside Sound』シリーズは著者のルーベン・モリーナ氏の選曲、日本語ライナーは宮田信さんだったのだ。

1.パイオニアたち
2.サンアントニオ
3.南カルフォルニア
4.テキサス
5.フェニックス＆アルバカーキ
6.ブラウン・プライド

全6章には貴重な写真（ライブ、レーベル、アルバム、フライヤーなど）満載。INDEXも便利で読みやすくその地域地域の歴史と特徴が丁寧に説明されているある種バイブル的な豪華本。2月に手に入れて未だに1.パイオニアたち〜2.サンアントニオ迄しかきちんと読めていないが、何故英語でアメリカの黒人音楽を演っているのか、ヒスパニックと黒人のコミュニティ、タフでハードな生活と裏返しの音楽、社会情勢の影響など、色々な疑問も解けてきそうだ。

サンアントニオだけでも物凄いのに他の地域ではどうなのだろうかと、どう踏み出すか色々考えてしまっている。と同時にこの本で描かれている世界は今はどのように変わらず、また変化しているのかも気になっている。

30年以上前、在日ラティーノ＆ラティーナが週末集まるBBQによく行っていた。持参したサルサのCDをかけながら見様見真似DJもどきもウケてていたっけ。「ハポネスなのに私達よりも詳しいの？」とよく言われてしまったことも。22時頃からの盛り上がりが2時頃になると、ストンと落ち、決まって甘々のラテンポップス（例えばJeanette）が流れてくることを思い出した。屈託のない笑顔が消えて疲労感のある顔色。これまで騒ぎすぎた裏返し以上のものを感じていた。朝が明け、海岸に出て陽の光を浴びる頃には解散の合図。

私の手にしたチカーノ・ソウルも同じような感覚を持っているのだろうか、とふとそんな事を思い出している。

中村とうよう 音楽評論家の時代（2017.7 田中勝則著）とうようさんの呪縛から解けた今読み返して色々と気が付かされた

マガジンという存在
ロックに目覚めた高校生だった私には唯一の情報源だった「ニュー・ミュージック・マガジン」。「ミュージック・ライフ」に物足りなさを覚えたころ確か4号あたりから読み始めた。創刊号以降バックナンバーを取り寄せ、毎月貪るように読んでいた。自分で買えるLPは月に2枚程度、ロック喫茶ピーターパンに通いながら好きなアルバムを模索する毎日だった。

はっぴえんどを巡る日本語ロック論争、ブルーズ、福田一郎さんのレオン・ラッセルを中心とした連載（単行本化して欲しい）などマガジンから知った情報も多かった。そのうち、べアズビル関連〜ウエストコーストが好きになってどちらかというと小倉エージさんや北中正和さんの記事を熱心に読んでいた。

そして、サルサを知ったのもマガジンからだった。河村さんと藤田さんのレコードコンサートにも通い始め、あとは怒涛のラテン野郎化。粋がって髭にBIGIのスーツにシャツの襟は広げ...なんて格好もしていた。井の頭線で友人がその格好を見て驚いてしまった顔を今でも思い出す。今考えると恥ずかしいけどネ。

とうようさんという存在
ロックに加えて、ブルーズから始まるブラックミュージック、ラテン、今で言うワールドを丹念に紹介していたのがとうようさんだった。どの音楽のジャンルもアプローチや勧め方に、当時かなり影響を受けたことも確か。大衆音楽の真実〜オーディオブックシリーズによって幅広く音楽を楽しむことも知った。

図書館から借りて読んだ、田中勝則さんによる「中村とうよう 音楽評論家の時代」は生い立ちから、音楽評論家として独立、マガジンを創立、そして残念ながら自死するまでクロニクルに紹介されて、知らなかったことも含め色々と気付かされた。特にラテン音楽に対する記述部分は何度か読み返してしまった。中南米音楽研究会京都支部での永田文夫氏との出会い。75年に開店した中目黒のレコード店「ディスコマニア」は永田氏の元奥様の昭子さんが開いた店。店の会報誌「ラテン・レコード情報」もお手伝いしていた。

62年に発刊された『ラテン音楽入門』は70年代なかばに図書館の処分本から見つけて大切に読んでいた。初めて買ったサルサの4枚『ライブ・アット・ザ・チータ』『必殺のサルサ』『サルサの太陽』『サルサ』はとうとうさんが企画した日本盤。半年近くこの4枚ばかり聴いていて、どこかの瞬間に目に前がぱっと明るくなった事を今でも覚えている。

その後はあまりとうようさんを頼らず音楽を聴いていて、いつの間にかマガジンも買わなくなってしまい（立ち読みはしていたけど）、徐々にある種のとうようさんの呪縛が解けていった。そういった意味に合わせて公私ともども忙しくなっていたせいもあり、その後ワールドと呼ばれる音楽を深く聴く機会を逃してきている。とうようさんがワールドへ熱心に関わっていた事を詳しくこの本で補足できた。また、個人的に気になっていた、突然藤田さんがマガジン関連の記事を書かなくなった事情〜バッド・ニュース創刊（P.446〜、P.574〜）もかなり気を使って記述されている。

私も含め今や音楽をサブスクで聴くのが中心になっているが、CDや本でそれを補足する評論というのが重要だと思う。今でも色々な事を気づかせてくれるのが多いのだが、映画評論にもいえるが優れた評論よりも内輪話の延長が多いのも確か。もはや読まれなくなったのだろうか？いや、ジョニ・ミッチェルのアーカイブシリーズのライナーは本人が語っている（聞き手は映画監督キャメロン・クロウ）ことも含めて素晴らしい内容だったし、ネット上で展開される内容の濃い評論にも今後も期待していきたいと思う。

<保存版>鈴木茂とはっぴえんど 本人による全曲の解説と歴代のギターと機材が満載 読みながら3枚のアルバムを振り返るとはっぴいが見えてきた

私にとってのはっぴえんど
当時アメリカの最新アルバムばかりを追いかけていたためか、はっぴえんどは好きだったけどのめり込むほどでもなかったのが正直なところ。ちょっと青臭かったり日本的情緒に馴染めなかったのかもしれない。仙台という閉塞された場所で高校生だった私には、ザ・バンド、ボビー・チャールズなどのベアズヴィルサウンド、ジェームズ・テイラー、ジョン・セバスチャン、ジョニ・ミッチェル、CSN&Y、リトル・フィートなどがより魅力的だった。

1972年にできた仙台のピーターパンというロック喫茶に毎日通いこの辺を教えてもらい、シュワンのカタログを元に個人輸入もしていた。そのピーターパンでよくかかっていたのが『HAPPY END』のB面。「さよならアメリカ さよならニッポン」の奇妙なサウンドに惹かれ、あわてて『ゆでめん』『風街ろまん』を真剣に聴きはじめたものだった。どちらかというと解散後の4人のことをサルサに出会うまでリアルタイムで追いかけていた。

鈴木茂の存在とギター
17歳から20歳までの3枚のアルバムに残された演奏と歌を本人が解説しているのがギター・マガジン12月号の特集「<保存版> 鈴木茂とはっぴえんど」。レコーディングに参加していない曲も含め、全曲コメントには新たな発見が満載。『ゆでめん』はヤマハから借りたテレキャスター（シングルコイルではなくP-20がマウント）、『風街ろまん』は岡林のバックを演ったギャラで買ったファイヤーバードVノンリバース（1965）、『HAPPY END』はテレキャスター（1969）を使用。

『ゆでめん』のスタジオ写真で変わったテレキャスターだなぁ...と長年思っていたけどこれで解明。代名詞になっているフィエスタ・レッドのストラトキャスター（1962）は『　BAND WAGON』録音前年の1973年にLAで購入してるので、はっぴいえんど時代は使用していないことも分かった。意外だったのがファイヤーバードVノンリバースを使っていたこと。これは本人ならではのコメントだと思う。

機材の詳しい解説、特にエフェクター類は長い間謎だっただけに驚くばかりの内容。3系統に出力を分岐する最新特大ペダルボードの解説は、理解するまで5回ほど読まないと分からなかったほど克明。しかも、自作のコンプレッサー、ブースターも組み合わせてある。一度自作のエフェクターは試してみたいと思う。文字だけでは理解できない部分があり本人によるギター教則動画で機材説明でようやく納得。

ブリティッシュ・ロックから始まり指弾き（ウェイン・モスからの影響）、そしてコーネル・デュプリー風フレーズへの変化。ソロを長々と弾くよりも歌に寄り添うクリーンなバッキングに光るものがあるのが私が大好きなところ。本人が語っているようにどこかジョージ・ハリソン的（ジョージ・ハリソンの特集本では一番好きなギタリストと本人がコメント）。

2016年『自伝鈴木茂のワインディングロード』は世田谷奥沢で育ちギターに目覚めたことから始まり2016年までを振り返る内容。はっぴえんどに参加するまではこの自伝で、はっぴえんど時代はギターマガジンの特集と合わせて、ソロ以降は再び自伝という読み返しをしている。1973年の『はっぴえんど全曲楽譜集』は楽譜以外小倉エージさんや北中さんのコラム、矢吹さんの表紙、全体のレイアウトとコラージュも含めて今でも楽しめる内容で充実している。朝日新聞にエージさんが連載（2004.7.16〜8.27）していた「私のはっぴいえんど」の切抜きが挟まっていたのも何かの縁なんだろうか。

2000年の『はっぴいな日々』は細野さんと大学時代同級生だった野上眞宏さんの写真を中心としたレコードコレクターズ連載をまとめた本。1968〜73年までの密着した内容は関係者じゃないと知り得ない話が満載。今となっては4人のそれぞれのインタビューも貴重だ。

ギターマガジンの特集の冒頭インタビューで

音楽で大切なもの。それは”個性”だと思う。自分にしかできない音楽、それがあれば自分の生きている証になり、心の支えにもなる。はっぴえんどは、そういう音楽に突き進めるきっかけを作ってもらえた、大切なバンドだよ。こんな出会いが18歳の頃にできたんだから、本当に幸せを、はっぴいをもらえたんだ。

これらの本を読みながら、ここ数日間は3枚を繰り返し聴いている。新しい発見と共に忘れていた部分を思い出したり、それは自分自身が今日まで様々な音楽を聴いてきた蓄積があったから気がついたのだと思う。そして、きっと私もはっぴいをもらえているのかもしれない。

Spotify Premium（@980）をFreeに変更しApple Music（@980）を始めることにした Dolby Atmosに目眩すら覚えた

Spotifyを始めてちょうど2年
音楽の聴き方もこの2年で大きく変わってきたと個人的にも実感している。これまで、Spotifyについては以下のようにUPしてきた。いいところと、どうも歯がゆい（特に収録されいるアルバム）部分も見えて来た。

https://borinquen.typepad.jp/blog/2019/11/spotify.html
https://borinquen.typepad.jp/blog/2021/06/applemusic_salsafever.html

Apple Musicの進化に伴い始めることにした
過去に何回か3ヶ月無料を試してみたが、ようやくApple Musicに切り替えることにした。

◎TimeMachine専用のHDDが壊れた
　TimeMachineはNASで普及済
　このHDDに保存していたiTunes音源の復旧に
　ついては今のとことペンディング
◎ロスレスオーディオ化
　iTunes音源にしていたのはロスレスオーディオ
　Apple Musicが対応したのならわざわざiTunes音源化する
　必要がないと判断
◎ドルビーアトモスの採用
◎使い勝手はだんだん慣れてきたので問題なし
◎サルサ関連が充実
　もちろんマイナーなプエルトリコものはない
　Spotifyではベスト盤だらけでガッカリだったが
　割とオリジナルがある

▲表示については問題あり
　リリース順が望ましい
　日本語は英語表記が望ましい
▲ジャケット情報
　以前ジャケットの両面を表示できたけど、色々な情報が詰まっているので
　復活して欲しい

Spotify Premium→Freeの切り替えは12/4以降になるので、Freeでどの様になったかは追って明記するつもり。特に、自分で作ったプレイリストが残っているかどうかが気になっている。

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ブライアンのピアノソロ。Apple Music〜Dolby Atmosで聴き始めて、その素晴らしさに心打たれてしまった。本人のピアノに本人がピアノをダビング。リズム系はサスティーンを押さえ、メロディーはその逆にサスティーンを伸ばした構成。AirPods Proで聴くとDolby Atmos効果的に鳴らしている。まるで、目の前でブライアンが弾いているかのように美しさに目眩がしそうだ。
（2011.11.22 12:13追記）

SAYONARA AMERICA HARUOMI HOSONO 2019年のアメリカ公演の高揚感と幸福感を味わいながらそれぞれの孤独感と自由について考えさせられた

さよならアメリカ、さよならニッポン
どうもはっぴえんどという存在は自分にとっては好きなんがけどどこか踏み切れないそんな存在だった。歌詞の、〜なんです...とかの部分がどうも苦手だったのが正直な気持ち。高校時代仙台のピーターパンでラストアルバムが繰り返しかかっていて「さよならアメリカさよならニッポン」の奇妙なサウンドに惹かれてヴァン・ダイク・パークスの存在を知った。解散が決まりその記念にサンセットサウンドで録音した、その空気感はこれまでと違った風に感じたのを鮮明に思い出す。

細野さんは、はっぴえんど解散直後の『HOSONO HOUSE』『トロピカル・ダンディー』は夢中で聴いていたけどサルサに出会ってからは割と疎遠が続いた。2017. 12月、熱心な細野さんファンに誘われて横浜に「細野晴臣&ワールドシャイネス LIVE」を観てから、再びぐっと身近な存在になってきた。今回のライブはその流れをくんだアメリカ公演のドキュメンタリー。アルバム『あめりか』はLA公演を収録、映画はこれに加えて今年のコメント、公演の楽屋（ヴァン・ダイク・パークスやジョン・セバスチャンも登場）もコラージュされファンにとってもうれしい内容。

鉄壁のバック、特に高田漣と伊藤大地が素晴らしい。「ROOCHOO GUMBO」ではなんと「Dixie Chicken」のフレーズも盛り込まれて思わずニンマリ。やけにファンキーな「薔薇と野獣」「住所不定無職低収入」「Cho-Cho ガタコト・アメリカ編」のアンサンブルも見事だ。ライブ映像はやたらカットが多く落ち着かないが、カット割りが少なくじっくり観られるのも良かった。

自由が制限されて、全体主義に進んでいるのが怖い
並のドキュメンタリーにならなかったのは冒頭のどこかの屋上での映像にインサートされた細野さんのつぶやき＝コメントがあるから。

突然現れたウイルス
このパンデミックは、世界的なオペラのように感じる
演出家は誰なんだろう
自由が制限されて、全体主義に進んでいるのが怖い
ウイルスも怖いけど、人間も怖いよね

アメリカへの感謝を記録したドキュメンタリーが今の時代にアップデイトされ、その意味でもロールエンドに流れる38年を経たセルフカバー『Sayonara America, Sayonara Nippon』の美しさに胸が打たれ涙してしまった。

おそらく30年以上ぶりのシネスイッチ銀座で。映画の後は煉瓦亭で元祖オムライスを食べながら観終わった映画についてあれこれお話するのも楽しみだったことを思い出す。普段はとにかく大きな画面と大音量の映画館で観ることが多いけど、このようなミニシアター（②で182席）でひっそりと観るの楽しみも大事にしないとネ。今思い出すとシネクイント渋谷（座席数162席）もやや見上げる席だった。その時は音は良かったけど画面が小さくやや見上げることに違和感を感じたけど、今思うとミニシアターならではだったのか...と納得。

■SAYONARA AMERICA
https://gaga.ne.jp/sayonara-america/

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林立夫さんの自伝『東京バック・ビート族』は、特にキャラメル・ママ〜ティンパン辺りまでは個人的に興味深い話が満載。自伝の合間に対談が挿入されアクセントになっている構成。もしやと思い、久しぶりに手にしてみると伊藤大地さんとの対談を発見。ティンパン好きの父親が林立夫さんの事を教えたことやSAKEROCKのことなど。共にメロディ好きドラマーだったこと、ハネるようでハネないどこか割り切れないリズム感の話に思わずうなずいてしまった。細野さんのバンドでの伊藤大地さんは、ブラシとマレットを使っていて、ブラシで目一杯叩いていたのを観ているうちに、JTの「Fire and Rain」のラス・カンケルも思い出していた。
(2021.11.14 7:14追記）

今日は立冬 秋が深まり冬の到来を待つかのような晩ごはんと堀込高樹の「冬きたりなば」

季節はグラデーションのよう移りゆく
今日は立冬、そう聞いてグラデーションのよう移りゆく季節の節目を意識する。桜の樹が色づき、冷たい空気、暖かい木漏れ日、そろそろ手袋が必要になりそう。そんな季節になると食べたくなるのが、シチュー。こってりと真剣に作るビーフシチューの幸せ感。一方、クリームシチューは手抜きで「冬物語」で（やっぱりややインスタント感あり）。共にルクルーゼの鍋からおいしそうな湯気で、窓が曇ってしまう。

冬のサラダ
クルミ、グリュイエールチーズ、紫玉ねぎ、チコリ、ゆで卵、セロリ、じゃがいもをフレンチマスタードをベースにしたドレッシングで和え、パンチェッタをじっくりと炒め油を共に振りかける。チャービルをたっぷりかけたサラダは冬の始まりのサラダ。これは「パトリス・ジュリアンのフランスワインのABC」から。もう、20年以上前から作り続けている我家の定番。

牡蠣のリゾットも冬の定番。牡蠣の出汁で炊いて最後にクレソンのざく切りとパルメザンを加えただけのシンプルなリゾット。牡蠣がおいしくなる季節には欠かせない我家の定番。

堀込高樹の「冬きたりなば」
2005年のソロアルバム『Home Ground』の曲。鈴懸けの並木道、ビスタチオを割って、柊刺った葉の先で心を守ってるの、日陰の雪解けだして凍てついて...。目を閉じるとその情景が浮かぶ。キリンジ兄のスタイリストとしての名曲だと思う。

リスペクト アリサ・フランクリンへの謙虚な気持ちから出発したジェニファー・ハドソンの潔さ あの名曲の生まれる瞬間も息を詰めて観ていた

アリサから直々の指名を受けたジェニファー
スプスプリームスをテーマにした『ドリームガール』ではいいんだけどちょっとトゥーマッチ感があったのがジェニファー・ハドソン。アリサ・フランクリン本人が生前伝記映画に意欲を持っていて、直々の指名を受けたジェニファー・ハドソン。私の心配をよそに素晴らしい映画になった。

性的虐待、人種問題、女性開放問題、公民権運動、ブラックパンサーを背景にドキュメンタリーを軸にアリサの心情を織り交ぜていく進行にあっという間の146分。父の束縛と夫の暴力からの開放の末に『アメイジング・グレイス』にも描かれたLAの教会でのシーンまで1952〜1972年、個人的問題（デーモン）を克服した姿も晴れがましい。『アメイジング・グレイス』で歌い出す前の妙に落ち着きがなくおどおどした姿が気になっていたが、これでその理由が理解できた。

名曲が生まれる瞬間
アリサを教会に連れ戻すと考えたジェリー・ウェクスラーはアラバマ州のフェイムスタジオで録音を計画。スタジオミュージシャンは白人ばかりだったことに夫の怒り。それでも音を重ねていくうちに独特のグルーブが生まれ出る「I Never Loved a Man(The Way I Love You」は鳥肌モノだ。

オーティスが「すっかりオレの曲が乗っ取られちゃったよ」と言っていた「Respect」のアリサの愛称「Ree」とRespectの「Re」からバックコーラスが生まれたこともファンとしてはうれしい発見。（これはアレサではアリサと呼んでいないと分からないことだネ）

どこか面影があって
ジェリー・ウェクスラー、スプーナー・オールダム、リック・ホールは妙に似ていて喋り方もそっくりなのには思わずニヤけた。その他、ジェームズ・クリーヴランド牧師、スモーキー・ロビンソン、アート・テイタム、デューク・エリントン、サム・クック...俳優と分かっていてもどこか面影があってやはりニヤニヤ。

ロールエンドに涙
LA教会での「Amazing Grace」を歌いかける姿にうるうるしていたら、直後のロールエンドには、2015年ケネディーセンターでキャロル・キングの名誉授賞式にゲスト主演した姿が映され、もう我慢できずに涙。ジェニファーの情熱とアリサへの尊敬の念の結集した映画の素晴らしさをもう一度体験したいな。それまでアトランティックデビューから教会までちょっとおさらいしておきたいな。

Joni Michell ARCHIVES VOLUME 1 ジョニ・ミッチェルのデビュー前の貴重なライブと音楽的進化を辿って、もう1年が過ぎた

昨年の年末から事あるごとに聴いているBOX
ジョニ・ミッチェルを知ったのはおそらく『いちご白書』（1970）のバフィー・セイント・メリーが歌った挿入（録音は1967年）としてだと思う。本人の録音は『Lady Of The Canyon』。同年のジェームス・テイラー『Sweet Baby James』でのデュエットの印象が強く、この頃からジョニ・ミッチェルを意識しはじめた。

昨年の年末に入手した『Joni Michell ARCHIVES VOLUME 1』は、これまで未発表曲をリリースすることに対して消極的だったジョニが改めてテープを聴き、その良さに気が付き、本人の協力を元に集められた63年の初録音、デモテープ、ライブ、家族へ送った音源などを含むデビュー前の音楽的進化を記録した貴重なボックス（CD5枚組）。

珍しい家族とのスナップ、かわいらしいカーボーイ姿、ライブ写真、キャメロン・クロウとのインタビュー（日本盤には丁寧な翻訳付き）、ファンならため息の出そうなパッケージ。ライブでは変則チューニング中の音まで聴くことができてしまう。代表的な名曲『Both Side Now』がライブを重ねるごとに表現が深まっていくのを知る喜びもある。

私にとってはコードとは自分の感情の表現手段なの
1970.8月のワイト島ミュージック・フェスティバルに出演した時のライブ映像も見逃せない。ステージに乱入した客が警備担当者とのやりあうシーンや、「Woodstock」を歌う間、観客からの野次に対して毅然とした態度をとったシーンに当時のジョニの姿。ドキュメンタリーの方には映像に対してジョニがコメントしていて、音楽は何かを答えている。

...曲のコードは、今の自分の感情を表す色のようなもの。それは作曲してる時の感情と言う意味でね。作曲家として譜面に向き合っているとき私は、自分が“これだ“と思うコードが見つかるまでピアノの鍵盤を叩きギターをかき鳴らす。

私の曲のセンスはロックやジャズの奏者から“変なコード“と言われてきた。中堅のジャズ奏者の中には不愉快気味に“ジャズでは間違い“と言う人もいたけど、ウェインやハービーのような大御所は私の曲を面白がってくれて進んで演奏してくれたの

ウェインが質問した
“ギターでもピアノでもないこのコードは何だ？“。私にとってはコードとは自分の感情の表現手段なの。それが他人から変に聴こえるのは、私がSUSコードを多用しているのが原因だった。音楽教育を受けていない私はそれを“探究のコード“と呼んでいたわ。私の人生は常に5つか6つ未解決の問題があったから、それが次々とコードに反映されるの。曲の途中で素敵なコードを入れる。曲のアタマだと不愉快に聞こえるから、真ん中に包まれているようにコードを混ぜるの。

ウェインはこう言ったわ
“バークリー音楽大学ではSUSコードは長く続けず連続で書くなと教わった“
でも私は、まさにその通りのことをしてたの。それは教育を受けた人には奇異に見えたんでしょうね。先の見えない人生を送る私には普通にのことだった
だから私にとって作曲は、私の感情の変遷なぞる作業なのよ...

変則チューニングはエリック・アンダースンに教えられたオープンGがきっかけ。合わせて10歳になったばかりに感染したポリオ（急性灰白髄炎＝脊髄性小児麻痺）の後遺症でFとかのバレーを押さえにくいことも影響しているのだと思う。50種類もあるという変速チューニングとストロークが独自の世界を生み出している。

THE REPRISE ALBUMS 1968-1971（2021 Remaster）
ジョニの素晴らしさを見出したデヴィッド・クロスビーがプロデュースした『Song To A Seagull』はすでにカバーで有名だった曲を外したオリジナル集。本人風呂場で鳴っているかのようなミキシングが気に入らなかったが、今回本人が納得いくミキシングされている。『Cloud』は「Both Side Now」からタイトルが付けられている。

私は両方から雲を見てきた
上から下からも、それがどういうわけか
私に思い出すのは雲の幻だけ
人生は雲がどのようなものか私には未だにはっきりと判らない

ある種のユートピア的な存在だったローレル・キャニオン。熱愛中のグレアム・ナッシュを含むローレル・キャニオンに集まる仲間との交流の中で生まれた『Ladies Of The Canyon』からフォークに収まらない音楽性が芽生えてくる。アルバムのラストは「Big Yallow Taxi」「Woodstock」「The Circle Game」で終わる。出会いと別れ、赤裸々で偽りのない音と詩、名曲ばかりの『Blue』の素晴らしさ。ダルシマー（オープンチューニング）の響きも奏法も含め心に響く。これらのTHE REPRISE ALBUMS 1968-1971 BOXは2021年リマスターされてクリアな音が楽しめるのもうれしいい。

2015.3月に脳動脈腫の破裂で緊急搬送。7月には自宅介護に移り順調に回復〜リハビリで会話もできるようになってきているようだ。このアーカイヴスもこの辺の影響もあるだろう。1年ぶりに今月末（日本盤は12/1）リリースされる『ARCHIVES VOL.2』は1968〜1971間のデモ、アウトテイク、ジミヘンが録音したライブ、お蔵入りしていたカーネギーホールデビューライブ、JTとのBBCライブ...とVOL.1とは違った内容で期待大。キャメロン・クロウとのインタビューも再び楽しみだ。

キンクスのパイ時代には大好きな曲ばかり 図書館で見つけたレイ・デイヴィスのSF小説的自伝を読みながらアンソロジーを聴く幸せ

キンクスとの出会い
高校時代にほぼ毎日通っていたロック喫茶「ピーターパン」のオーナーがキンクス好き。基本はアメリカのロックが多かったけどよくキンクスの『Everybody's In Show-Biz』がかかっていた。その後断片的に聴いてはいたがアルバムを時系列で集めるには至らなく、紙ジャケ＋デモ別テイクはあまりにも数が多く、好きなんだけど手を出せない状態が続いていた。

今やSpotifyの時代
なにげなくシングルを中心とした拡大版ベスト盤を繰り返し聴いているうちに、レイ＆デイブ兄弟のギターのリフにハマってしまい、Spotifyでパイ時代のシングルを時系列にA/B盤と並べるプレイリストを作り朝昼晩聴きっぱなし状態。図書館にはなんと『The Kinks The Anthology 1964-1971』があることを発見。貴重な写真満載、レイ・デイビスのインタビューを含む解説、最新リマスターされた139曲のパイ時代のアンソロジーにニンマリの日々。

パイ時代のシングルはアルバム未収録が多くアルバムだけでは全容がつかめないのが悩ましい処。しかもモノラル〜ステレオ（疑似が多い）が混在するから困りもの。なんと、入手不可とされるレイ・デイヴィスのSF小説的自伝も図書館で見つけ、読みながら、衝撃の「You Really Got Me」を含むデビュー盤からパイ時代のアルバムを聴き、アンソロジーで穴埋めする日々がもう1ヶ月半も続いている。

パイ時代はどれも素晴らしいアルバムだらけだけど「Sunny Afternoon」の入った『Face To Face』と名曲「Waterloo Sunset」を含む多彩な『Something Else By the Kinks』の2枚が特に大好き。その後はコンセプト・アルバムが続き、名曲「Lola」「Apeman」が入った『Lola Versus Powerman And The Moneygoround: Part1』もギターのリフに惚れ込み何度も繰り返している。『Percy』は事故で傷ついた性器の移植手術を受けた男が、性器の元の持ち主だった女を求めて彷徨う映画のサントラ。その映画も観てみたいものだ。（B級らしいけど）

Kinks (1964)
Kinda Kinks (1965)
The Kink Kontroversy (1965)
Face to Face (1966)
Something Else by the Kinks (1967)
The Kinks Are the Village Green Preservation Society (1968)
Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969)
Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One (1970)
Percy (1971)

憂いに満ち高い観察眼で描かれる市井の人々、レイ＆デイブ兄弟のギターアンサンブル、どこか惹きつけられるメロディー、アメリカへの叶わぬ憧れと失望、名曲が多いがアルバムが売れないジレンマ。どこか屈折しているようで緻密でおおらかなサウンド。さぁ、もう一度シングルを集めたプレイリストを聴いてみよう！

 

調子悪くてあたりまえ 近田春夫自伝と70年代シティ・ポップ・クロニクル（萩原健太）を同時代で重ね合わせる

知っているようで知らなかった近田春夫のこと
ハルヲホンもビブラストーンも聴いたことがなく、ソロでは『天然の美』『電撃的東京』を聴いただけのファンともいえない状態。気にしていたのが、ポパイに連載されていた「THE 歌謡曲」（1978-1984）でも郷ひろみ〜筒美京平の再発見。音楽を聴くよりのこうした活動を追いかけていた。現在週刊文春の「考えるヒット」も毎週読んでいる。

音楽生活50周年、生誕70年を記念した「調子悪くてあたりまえ 近田春夫自伝」は、エレキブーム〜GS〜ロック〜ポップス〜ヒップホップ〜ハウス...と時代を駆け抜けた姿と表と裏の音楽史がまとめられている。近田春夫と関わる多彩なミュージシャン、ああこういうふうにつながっていたんだと思いながら一気に読んでしまった。

タイトルはガンとの闘病生活から。その生還後のLUNASUNとしての『Original Heaven』（2018）のハモンドの炸裂がやけに今の気分に合っていてとてもいい。

日本のロックを熱心に聴いていた71〜75年まで
高校生から大学生まで、個人的に日本のロックを熱心に聴いていたのは71〜75年まであたりまで。75年に衝撃的にサルサと出会い、10年ぐらいはサルサ以外はほとんど聴いていなかった。「70年代シティ・ポップ・クロニクル」にはほぼ同世代的に音楽に触れていた萩原健太さんの年代記。うまくまとめられた『風街ろまん』全史に導かれて、紹介されるアルバムの数々。

風街ろまん / はっぴいえんど 1971
大瀧詠一 / 大瀧詠一 1972
摩天楼のヒロイン / 南佳孝 1973
扉の冬 / 吉田美奈子 1973
Barbecue / ブレッド＆バター 1974
久保田麻琴Ⅱ〜サンセット・ギャング 1974
MISSLIM / 荒井由実 1974
黒船 / サディスティック・ミカバンド 1974
HORO / 小坂忠 1975
SONGS / シュガー・ベイブ 1975
バンドワゴン / 鈴木茂 1975
センチメンタル・シティ・ロマンス 1975
火の玉ボーイ / 鈴木慶一とムーンライダーズ 1976
泰安洋行 / 細野晴臣 1976
熱い胸さわぎ / サザン・オールスターズ 1978

はっぴいえんどは、仙台のピーターパンでよく聴いてたせいか、どちらかというとラストのほうが好きだった。吉田美奈子とローラ・ニーロの共通点については随分遅くなってから気がついた。東京で再会した高校時代の友人に教えられて衝撃的だったのが荒井由実の1stと2nd。それ以上の衝撃だった山下達郎の存在。バンドにこだわった鈴木茂の眩しさ。常に憧れの加藤和彦。イントロからやられてしまった「勝手にシンドバット」。キャラメル・ママのサウンドは好きだったけどティン・パン以降は魅力を感じなくなってしまったことも思い出す。私の思いと健太さんの思いがシンクロして、紹介されている曲を聴きながら読むのがホント楽しい。

『近田春夫自伝』と『70年代シティ・ポップ・クロニクル』を同時代で重ね合わせると、はっぴいえんどから派生したグループとそれ以外のグループがあって、あまりクロスしていないような気がしてる。個人的には後者の方をある時期まで熱心に聴いていたものだが、『近田春夫自伝』から解き明かされる音楽史のほうが知らないことも多くそれぞれが刺激的だ。それは、5年おきに繰り返される松本隆○○周年への違和感もあるのかもしれない。

サマー・オブ・ソウル Harlem Cultural Festival 1969.6.29-8.24 観客も出演者もこれほど多くの黒人が集まるのは初めてと思うし50年後のBLMとの地続きを思い知る

現在との地続き
Live at the Red Garterから1年、ウッドストックの2ヶ月前、Live at the Cheetahの2年前、
1969.6.29〜8.24に「Harlem Cultural Festival」が開催された。そのドキュメント映像は50年以上も公開されず倉庫に眠ったままだった。貴重なライブと現在の視点でのコメントが見事に編集され、ある意味では今のBLMとも地続きだということに気が付かされる。

6.29
フィフス・ディメンションズ - Don’t Cha Hear Me Callin’ Ya?, Aquarius/Let the Sunshine In
アビー・リンカーン/マックス・ローチ - It’s Time, Africa (w/ Abbey Lincoln)
エドウィン・ホウキンス・シンガーズ - Oh Happy Day (w/ Dorothy Moore)
ジョージ・カービー/オラトゥンジ
スライ＆ファミリー・ストーン - Sing a Simple Song, Everyday People,Higher

7.13
マヘリア・ジャクソン
   - Lord Search My Heart, Precious Lord Take My Hand (w/ Mavis Staples and Operation Breadbasket)
スティプル・シンガーズ - Give a Damn, Help me Jesus, It’s Been a Change
ハーマン・スティーヴンス＆ザ・ヴォイシス・オブ・フェイス
レヴァランド・ジェーシー・ジャクソン
　＆ジ・オペレーション・ブレッドバスケット・バンド

7.20
スティーヴィー・ワンダー  It’s Your Thing, Shoo-Bee-Doo-Be-Doo-Da-Day
デイヴィッド・ラフィン - My Girl
グラディス・ナイト＆ザ・ピップス  - I Heard It Through the Grapevine
チャック・ジャクソン
プリンキー
ルー・パークス・ダンサーズ

7.27
モンゴ・サンタマリア - Watermelon Man, Afro-Blue, Cloud Nine
レイ・バレット  - Abidjan, Together
カル・ジェイダー
ハービー・マン  - Chain of Fools (w/ Ron Ayers), Hold On, I’m Comin' (w/ Sonny Sharrock)
ロイ・エアーズ
ソニー・シャーロック
ハーレム・フェスティヴァル・カリプソ・バンド

8.17
ニーナ・シモン - Backlash Blues, To Be Young Gifted and Black, Are You Ready?
B.B.キング  - Why I Sing the Blues
ヒュー・マセケラ  - Ha Le Se Le Li Khanna, Grazing in the Grass
ハーレム・フェスティヴァル・ジャズ・バンド

8.26
ミス・ハーレム・コンテスト

マリリンの美しさ、ビリーの圧倒的なゴスペル風味の歌唱が素晴らしいフィフス・ディメンションズ。二人はこの年に結婚。ポップスよりもソウルよりの楽曲を歌いたかったとコメント。幸せな結婚生活も伺われる。白いタイツがコケティッシュでキュートなグラディス・ナイト、完璧で切れ味のあるステップで魅了するザ・ピップス。競作になった「悲しいうわさ」はマーヴィンも凌ぐほどソウルフルだ。

この頃はあまり聴いていないだけに見直したのがB.B。見事なファンク・ブルーズ。ベンディング、ヴィブラート、やや歪んだサウンド、文句なしのライブ。才能が爆発寸前のスティーヴィー、危険で色悪感満載のデイヴィッド・ラフィン。ダニー・ハサウェイ〜アリサ・フランクリンもカバーしている「To Be Young, Gifted and Black」を誇りいっぱいに歌い上げるニーナ・シモン。

会場になったマウント・モリス・パークは（現在はマーカス・カーヴェイ・パーク）スパニッシュ・ハーレムと隣接。代表として、モンゴ・サンタマリアとレイ・バレットも登場。レイ・バレットのステージにはアダルベルト・サンティアゴ、アンディ・ゴンザレス、オレステス・ビラトーの姿も。レイ・バレッドのコンガと18歳のアンディ・ゴンザレスの掛け合いも見どころ。「Together」ではアポロ月面着陸へのコメントも（歌っている）。

今でも美しいシーラ.Eがモンゴ・サンタ・マリアとレイ・バレットのコンガの違いをコメントしているシーンには思わず前のめりしてしまった。

これまでの常識を覆したスライの姿
ウッドストックでは白のスワン、ここではブラック・スワン。人種男女の混合、派手な衣装、じわじわと盛り上げるひねくれたファンクネス。ニグロからブラックへの移行期にふさわしいキャッチな歌詞。

青い人は緑の人と
その緑の人と暮らす痩せようとしている太った人が受け入れられないという
長髪の人は
貧しい人を助けられない裕福な短髪な人が受け入れられないという
黄色い人は白い人を受け入れようとしない
赤い人を受け入れようとしない黒い人を受け入れようとしない
（Everyday People 1969）

映画での曲リストは↓を参考になると思う。
https://thatshelf.com/basement-tapes-the-music-of-summer-of-soul/

日比谷で映画
15年ぶりでこの界隈を歩いてみたけど大きく変貌して迷子になりそうだった。調べてみると東京ミッドタウン日比谷として2018年にオープンし、TOHOシネマズ日比谷はその4Fだった。関係者でもないため事前予約して映画を観る。映画館の環境、スクリーンの大きさ、音の良し悪し、見やすい場所かどうか。今回のTOHOシネマズ日比谷は、館内からの眺望も含めすべて満点だった。これから、日比谷で観たいな。

All Things Must Pass 50th Anniversary Super Deluxe 5CD + Blu-ray 見えないものが聴こえてくる驚き〜快感とフィル・スペクターに聴かせたデモの完成度に驚愕

ジョージの望んだ世界はこれだったんだ
生前アルバムのミキシングのやり直しを望んでいたジョージ。確かに曲によってはフィル・スペクターの過剰すぎるエコーで全体を掴みにくい部分を感じていた。アルバム全体にも独特の浮遊感が漂っていた。ダニーとポール・ヒックスが全体をミキシングし直した50周年盤。アルバム自体は『Pet Sounds』と同じくらい聴き込んでいるが、二度通しで聞いたあと、それでも気になる曲は2014年盤と聴き比べをしてみた。

実質的にライブ録音
その生々しさがダイレクトに伝わるミキシングがとてもいい。曲によっては定位も変わり、見えてこなかった音が聴こえてきたりと驚きと快感に包まれている。エコーの中に埋もれがちだったギターの音も鳴り続けている。スワンプ〜カントリー感覚にジョージ独特のポップ感がより鮮明になり、何度もときめいてしまった。

二日間でレコーディングされたデモの素晴らしさ
1970.5.26-27、リンゴとクラウス・フォアマン、30曲。デモとはいえ、歌詞も一部途中までとはいえ、これまで何十年も聴き続けていた曲の原石を目の前にして驚くばかり。ダビングなしの三人のライブ。生でもエレキでも的確なギタープレー、タイトなリズムをキープしながら絶妙のオカズも光るドラム（リンゴの上手さを実感）、静かにドライブするベース。ピュアで無垢な姿を想像するだけでも胸が熱くなる。

■Disc 3 (Day 1 Demos – Tuesday 26 May 1970)

All Things Must Pass (Take 1)
Behind That Locked Door (Take 2)
I Live For You (Take 1)
Apple Scruffs (Take 1)
What Is Life (Take 3)
Awaiting On You All (Take 1)
Isn’t It A Pity (Take 2)
I’d Have You Anytime (Take 1)
I Dig Love (Take 1)
Going Down To Golders Green (Take 1)
Dehra Dun (Take 2)
Om Hare Om (Gopala Krishna) (Take 1)
Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll) (Take 2)
My Sweet Lord (Take 1)
Sour Milk Sea (Take 1)

■Disc 4 (Day 2 Demos – Wednesday 27 May 1970)

Run Of The Mill (Take 1)
Art Of Dying (Take 1)
Everybody/Nobody (Take 1)
Wah-Wah (Take 1)
Window Window (Take 1)
Beautiful Girl (Take 1)
Beware Of Darkness (Take 1)
Let It Down (Take 1)
Tell Me What Has Happened To You (Take 1)
Hear Me Lord (Take 1)
Nowhere To Go (Take 1)
Cosmic Empire (Take 1)
Mother Divine (Take 1)
I Don’t Want To Do It (Take 1)
If Not For You (Take 1)

All Things Must Pass Uber Deluxe Box Set
木箱、P.96スクラップブック、フライア・パークにあるオークの木を伐採して作った木製のしおり、妖精たち、LP、CD、Blu-ray...。なんと、$999.98。一度手にしてみたいけど流石に無理。せめて、スクラップブックあたりは別売にしても良かったかな。まぁ、これから何度も聴きながら色々と考えてみよう(´•_•`)

The Concert for Bangla Desh 1971.8.1 今だから分かるミクスチャの秘密と影のコンサートマスターの存在

おそらく50年ぶり
2005年にリマスターされたDVDボックスセットで蘇る画像。コンサートが72.8.1、映画の公開が72.11.11、日本公開が73年。おそらく高校生で一度か二度見てそれ以来観ることのなかった映画。『All Things Must Pass』三枚組はとても買えず「My Sweet Load」のシングル盤を擦り切れるまで聴いていたのが中学生。なぜか、この三枚組は手に入れてよく聴いた。当時は『Woodstock』『Fillmore The Last Days』『Mad Dogs & Englishmen』とかも公開されてそれぞれのサントラ盤も手にしていた。いろんな人が演っていたりベスト盤的な聴き方をしていたようだ。

コンサートの趣旨はご存じの方が多いので省くが、50年近くぶりに観て思ったのが、当時良くわかってなかった部分がよく見えてきたこと。デラニー＆ボニーを知り、クラプトンに教えるとツアーに同行しジョージもイギリス公演にはステージに立つ。『Music From Big Pink』からの影響もありつつロック的なミクスチャーを目指していたの当時のジョージだった。

そういった意味ではコンサートマスター的存在だったリオン・ラッセルの存在が大きいと思う。フィル・スペークター、デラニー＆ボニー、ジェシー・デイビス、グラム・パーソンズとも絡み。当時は全く知ることがなかったことも浮かび上がってくる。『All Things Must Pass』ではエコーでコーティングされたサウンドがライブでリアルに伝わる素晴らしさに酔いしれてしまう。サルサも含めて様々な音楽を聞き続けている今と違って、これは当時中学生〜高校生の私には到底理解できていない世界だった。

クラプトンが来ないかもしれないために招集されたジェシー・デイビス。ブラウン・サンバーストのテレキャスと控えめながらジョージの横で終始笑顔がいい。強烈なゴスペル臭をふりまくビリー・プレストン。当時初めて動く姿を見ることができたディラン。やっぱり無条件で格好いいリンゴ。「Here Comes The Sun」での寡黙なピート・ハム。そうそう、リハではジョージのタバコにリオンが火をつけてジェシ・デイビスのタバコにジョージが火をつけるシーンも泣かせる。そしてなにより白いスーツ（オレンジのシャツも！）に白いストラト（フィニッシュを剥がしてナチュラルしているようだ）が眩しすぎるジョージが素敵すぎだ。

ジョージの生涯を的確にまとめた『LIVING IN THE MATERIAL WORLD』を10年ぶりで観た。このコンサートまでをなぞろうと思って観始めたが、やっぱり引き込まれてPart.1〜2、そして特典まで2日に分けて観てしまった。うん、『All Things Must Pass 50th Anniversary』が届くまでジョージまつりが続く(´•_•`)

上白石萌音 あの歌1&2 同時発売された70年代・80〜90年代のカバーアルバムの瑞々しさ これが自身が持ち込んだ企画・選曲だったと知ってすっかりマイッている

見直しちゃったなぁ
上白石萌音ってドラマをチラミしている程度で、自分には馴染みのないヒトだなぁと思い込んでいた。ひょんなきっかけで70〜90年代のカバーアルバムを聴いてみてら、その思いは一変してしまった。

■あの歌 1
1.年下の男の子（キャンディーズ） 1975
2.キャンディ（原田真二）1977
3.君は薔薇より美しい（布施明）
4.夢先案内人（山口百恵）1979
5.木綿のハンカチーフ（太田裕美）1975
6.グッド・バイ・マイ・ラブ（アン・ルイス）1974
7.ガンダーラ（ゴダイゴ）1978
8.勝手にしやがれ（沢田研二）1977
9.みずいろの雨（八神純子）1978
10.オリビアを聴きながら（杏里）1978
11.さらば恋人（堺正章）1971

すべて鳥山雄司のアレンジ、誰でも知っていそうな70年代のヒット曲。このあたりは純粋なロック少年だった私はラジオやTVで聞いたり見たりしながら自然に覚えていた曲ばかり。瑞々しく素直な声と歌い方によって歌詞がストレートに伝わる良さもあり、男歌の難しさもすんなりと聴かせてしまう。

■あの歌 2
1.世界中の誰よりきっと（中山美穂）1992
2.ダンデライオン〜遅咲きのたんぽぽ（松任谷由実） 1983
3.AXIA〜かなしいことり〜（斉藤由貴）1985
4.Diamonds＜ダイアモンド＞（プリンセス・プリンセス）1989
5.制服（松田聖子）1982
6.まちぶせ（石川ひとみ）1981
7.ブラックペッパーのたっぷりきいた私の作ったオニオンスライス（スターダスト☆レビュー） 1982
8.いかれたBABY（フィッシュマンズ）1993
9.青空（THE BLUE HEARTS）1988
10.PRIDE（今井美樹）1996

80〜90年代は、私はサルサ男道まっしぐらで、あまり詳しくない。こちらは曲ごとにアレンジャーを変えていて、その選択までしているときいて驚いている。「ブラックペッパーのたっぷり〜」「PRIDE」の大橋トリオを選ぶなんてセンスがいいと思う。最近知って色々聴き始めているフィッシュマンズ「いかれたBABY」にも驚きだ。

余計なことをしない。もともとすごい力をもっている曲に、あえて個性やオリジナリティを加えない。
あくまでもメロディーに忠実に、私の声で表現したかった

本人のインタビューにはオリジナルに対する敬意に溢れていて、それがこの2枚から伝わってくる。また、原曲にあった歌手が生み出す抑制やニュアンスをあえて省き、自己の歌い方に沿うアップデートな感覚も魅力的だ。ヒット曲が多い1枚目を聴いて、そのまま変化のある2枚目を聴くという流れが毎日の楽しみになっている。このままでは、写真集&DVDのついた1と2のカップリング『あの歌1と2』（テーブルの上のナポリタンの皿は銀皿の方が雰囲気が出たと思うけど）に手を出しそうだ...。

■上白石萌音インタビュー
https://natalie.mu/music/pp/kamishiraishimone05